La saga Manet: una dynasty artistica degna di Beautiful
Le déjeuner dans l'atelier
di Elisabetta Matteucci da Il Giornale dell'Arte, 16 dicembre 2024
La «famiglia allargata» del precursore dell’Impressionismo è al centro di una mostra all’Isabella Stewart Gardner Museum. Fu Berenson a volere che nel museo bostoniano il ritratto della madre dell’artista fosse esposto tra Pollaiolo e Degas.
Tallone, o il ritratto come specchio dell’essere
"La Ciociara", Cesare tallone (part.)
di Elisabetta Matteucci, da Il Giornale dell'Arte, 28 novembre 2024
L’artista savonese, sin dagli anni Settanta dell’Ottocento, adottò un genere pittorico che ora ci consente di osservare l’evoluzione dell’universo femminile a cavallo tra i due secoli. L’allestimento al Museo Villa Bassi Rathgeb attinge alle proprie collezioni.
La mostra «Donna, Musa, Artista. Ritratti di Cesare Tallone tra Otto e Novecento», in corso fino al 12 gennaio 2025 al Museo Villa Bassi Rathgeb, rappresenta il risultato di un lavoro di studio e di approfondimento condotto da Raffaele Campion, Silvia Capponi, Elena Lissoni e Barbara Maria Savy sulla collezione permanente del museo e, specificatamente, sul nucleo di dipinti del pittore savonese (1853-1919).
Roberto Bassi Rathgeb, studioso e collezionista d’arte di origine bergamasca ma fortemente legato al territorio aponense, destinò, infatti, nel 1972 al Comune di Abano Terme la propria raccolta costituita da dipinti di Andrea Previtali, Giovanni Cariani, Moretto da Brescia, Giovan Battista Moroni, Giacomo Ceruti oltre a disegni, incisioni, reperti archeologici e mobili d’antiquariato. La mostra offre l’opportunità di approfondire uno dei temi, il ritratto, maggiormente praticati da Tallone fin dagli anni Settanta e mai abbandonato nell’intero svolgersi della sua carriera di maestro e di artista. Una testimonianza della sua considerazione per tale genere quale specchio dell’essere, a cui il suo nome è rimasto indissolubilmente associato come attesta il pregevole nucleo riunito in questa rassegna; una vivacissima ed elegante teoria attraverso la quale è possibile osservare da vicino l’evoluzione dell’eterogeneo universo femminile nella società italiana tra fine Ottocento e inizio Novecento.
Il filone del ritratto è contestualizzato, nelle prime sale, all’interno di una cornice domestica nella quale prendono vita i personaggi del côté familiare di Tallone, come i figli Guido e Irene, la sorella Linda Maria e il consorte Guglielmo Davoglio, le cui effigi, finalmente riunite per la prima volta, furono realizzate nel 1887 in occasione del fidanzamento. Tra le figure di maggiore impatto si distingue quella a grandezza naturale della moglie, la poetessa Eleonora Tango, agghindata in un costume da ciociara. Un topos figurativo quest’ultimo che, grazie all’incontrastata fortuna iconografica riscossa a partire dal XVII secolo in tutta Europa, aveva valicato i confini di origine per essere assurto ad archetipo della donna italica.
Verso la fine degli anni Ottanta dell’Ottocento, date le continue richieste da parte di una committenza anche straniera, moltissimi artisti come Silvestro Lega, Vito d’Ancona, Mosè Bianchi, i fratelli Induno, Eleuterio Pagliano o Plinio Nomellini vi si cimentarono riuscendo a non scivolare in esiti di scontata retorica nazionale. Nella felice interpretazione di Tallone è difficile non intravedere la matrice delle future peculiarità del giovane Giuseppe Pellizza da Volpedo, uno degli allievi più dotati durante il brillante magistero del ritrattista all’Accademia Carrara di Bergamo (1885-90). Un’interpretazione che per il senso plastico, il vigore realistico nonché la potenza espressiva ricorda altresì i grandi ritratti di Antonio Mancini, il pittore romano con cui Tallone fu in contatto durante un lungo soggiorno nella capitale tra il 1883 e il 1885.
Seguendo il percorso nei saloni della villa, si assiste a un panorama ampio illustrante il dialogo esclusivo instauratosi fra una società fin de siècle desiderosa di essere celebrata e un pittore, ritrattista della regina Margherita e fondatore di una delle prime scuole femminili di pittura, capace di esaudirne l’inclinazione autoreferenziale. Accanto alle figure dell’entourage privato, compaiono esponenti della borghesia più emancipata, come la «Signora con fiori alla cintura» di Giovanni Boldini, identificabile anche nella fotografia della giornalista Emilia Cardona Boldini ritratta nello studio del marito, e attrici glamour divenute icone di stile come Lina Cavalieri o Emma Gramatica raffigurata, quest’ultima, da Lino Selvatico o la divina Lyda Borelli, nel bellissimo gesso realizzato da Pietro Canonica. E ancora manifesti, raffinati manufatti quali borsette châtelaine o ventagli brisé.
Un variegato compendio che permette di comprendere quanto il ritratto in Italia, come anche al di fuori dell’Europa, complice la diffusione del mezzo fotografico, divenga a cavallo tra Otto e Novecento il genere pittorico maggiormente praticato proprio per la sua valenza di codice sociale. Del resto la moglie Eleonora Tango, intima amica di Matilde Serao, e la sorella Virginia Tango Piatti scultrice, pianista, prolifica giornalista e traduttrice, erano entrambe in stretti rapporti con Sibilla Aleramo scrittrice e giornalista nota per la sua attenzione alla condizione femminile italiana tra Ottocento e Novecento, e proprio alle relazioni importanti e al lavoro intellettuale di queste donne colte della famiglia Tallone viene dedicata un’intera sezione. La mostra è accompagnata da un catalogo (Cimorelli) introdotto dai saggi dei quattro curatori e da apparati storico critici di sicuro interesse per la ricostruzione e la rivalutazione dell’attività dell’artista.
Vincenzo Giustiniani, grande estimatore dei Macchiaioli
Giovanni fattori: "Paranza da pesca"
di Elisabetta Matteucci, da Il giornale dell'Arte, 14 novembre 2024
Alla Fondazione Ragghianti una selezione di opere appartenute al collezionista originario di Ferrara anticipa l’allestimento permanente della collezione della Cassa di Risparmio di Lucca nel nuovo Centro per le Arti.
La Sala dell’Affresco all’interno del Complesso di San Micheletto, sede della Fondazione Ragghianti a Lucca, centro studi dedicato a Licia e Carlo Ludovico Ragghianti e attore principale dell’offerta culturale cittadina, accoglie dal 16 novembre al 6 gennaio la mostra «Arte tra due secoli. Opere dalla Collezione Vincenzo Giustiniani 1875-1920» a cura di Paolo Bolpagni e Andrea Salani. Questa raffinata selezione della raccolta Giustiniani, costituita da circa duecento opere donate da Diamantina Scola Camerini alla Fondazione Cassa di Risparmio di Lucca, è una sorta di primo assaggio della collezione permanente di proprietà dello stesso ente che, a tempo dovuto, troverà collocazione nella Fondazione Centro delle Arti, un nuovo polo espositivo a vocazione internazionale identificato nei locali dell’ex Cinema Nazionale il cui coordinamento scientifico sarà curato dalla Fondazione Ragghianti.
La collezione formata dal nobiluomo Vincenzo Giustiniani (Ferrara, 1864-Forci, 1946) è pervenuta per via ereditaria alla nipote Diamantina Scola Camerini. Con il nonno materno, bibliofilo, cacciatore, appassionato d’agricoltura e artigianato, quest’ultima ha condiviso l’affezione per la città di Lucca e per Forci, la tenuta da lui acquistata nel 1917, divenuta meta privilegiata di numerosi e illustri visitatori tra cui, nel 1935, la regina d’Italia Elena di Savoia.
Raffinato cultore di pittura moderna e arti decorative, Giustiniani non disdegnava la pratica del dipingere e tra gli artisti maggiormente ricercati attraverso acquisti presso case d’asta come quella diretta a Firenze da Luigi Battistelli o da mercanti di lungo corso come Mario Galli (estimatore nonché collezionista lui stesso del gruppo del Caffè Michelangiolo) figurano i protagonisti della rivoluzione macchiaiola. Giovanni Fattori primeggia con oltre venti testimonianze tra cui spicca la poeticissima marina «Paranze da pesca», non più esposta al pubblico da quando, tra il 1927 e il 1928, figurò al Palazzo dell’Esposizione di Roma in occasione della XIII Mostra d’Arte del Gruppo Labronico, rassegna allestita all’interno della II Mostra d’Arte Marinara e I Mostra d’Arte Fiumana. Seguono poi Silvestro Lega, Telemaco Signorini, Odoardo Borrani e Giovanni Boldini del quale è presente anche la tavoletta raffigurante Leopolda Banti alla spinetta risalente ai primi anni Sessanta, epoca del soggiorno a Firenze del pittore ferrarese e della sua frequentazione con Cristiano Banti.
A questi si aggiungono esponenti della corrente successiva che, seppur ai loro esordi in qualche modo fiancheggiatori dei Macchiaioli, da quell’alveo presero poi le distanze per acquisire un tratto stilistico identitario, come Eugenio Cecconi, apprezzato pittore di scene di caccia e di soggetti orientali. Audace sperimentatore e determinato nell’intraprendere nuove strade, vedi le numerose opere di bonifica e riconversione agricola apportate alla tenuta di Forci, divenuta un modello di esemplare fusione tra tradizione e progresso, Giustiniani intravide negli artisti a lui contemporanei come Plinio Nomellini e Oscar Ghiglia, entrambi figli spirituali di Fattori, il desiderio di emanciparsi adeguando l’antica «impalcatura macchiaiola» alla nuova sensibilità europea. Il primo dei due, soprattutto, apparve ai suoi occhi come il più talentuoso e il più audace. E non a torto. Proprio la facilità e l’immediatezza espressiva gli avrebbero consentito di aderire, sia pure con alternanze e ritorni, a diverse correnti quali quella impressionista, divisionista e simbolista.
Giustiniani poté esprimere tutta la predilezione estetica per Nomellini in occasione di due aste organizzate a Firenze da Mario Galli nel maggio del 1919 quando giunse ad aggiudicarsi gli ottantasei dipinti esitati per un valore di oltre 100mila lire, sottraendoli in blocco a una sala animata da due contendenti particolarmente agguerriti come Enrico Checcucci e Alfredo Materazzi. Ai suoi occhi quel pittore livornese, identificato fin dagli esordi dallo stesso Signorini come uno dei più promettenti allievi di Fattori, dovette apparire il più meritevole proprio per il desiderio di sprovincializzarsi e mostrarsi al passo coi tempi, avvicinandosi a quella interpretazione neoimpressionista della realtà diffusa allora in Francia.
Anche con il prolifico Galileo Chini Giustiniani entrò in stretto contatto ai primi del Novecento, apprezzandone in sommo grado le creazioni in ceramica, decorate con modelli tratti dall’Art Nouveau, dalla Secessione viennese e dal gusto modernista, quando in qualità di finanziatore subentrò nella Società Arte della Ceramica, a Borgo San Lorenzo, poi rinomata Manifattura di Fontebuoni.
Alvise di Canossa da imprenditore a collezionista
«La domenica a Londra» (1878) di Giuseppe De Nittis (particolare)
di Elisabetta Matteucci, da Il Giornale dell'Arte, 30 ottobre 2024
Il fondatore di Arterìa e Art Defender Insurance ha trasferito all’arte la consolidata esperienza familiare nei trasporti, ponendola al centro della sua professione. Parallelamente è diventato uno dei principali collezionisti italiani di pittura del XIX secolo.
Dall’esperienza maturata tra gli anni Settanta e Ottanta in Saima Avandero, leader nelle spedizioni internazionali, Alvise Di Canossa fonda nel 2000 il gruppo Arterìa che in breve tempo si impone come azienda di riferimento per la logistica, l’imballaggio, il trasporto e l’installazione di opere d’arte conquistando la fiducia dei più importanti artisti, collezionisti, istituzioni museali, gallerie e case d’asta. Risale al 2009 la costituzione di Art Defender, società che si occupa di custodia, protezione, restauro e gestione delle collezioni e del patrimonio culturale italiano pubblico e privato con sedi a Milano, Torino, Bologna, Firenze e Roma. Nel 2016, dalla partnership con Axa Art, nasce Art Defender Insurance, società assicurativa specializzata in «prodotti» dedicati al mondo del collezionismo e a operatori del settore.
Alvise Di Canossa, come nasce la sua passione per l’arte? Lei è laureato in agraria, un obbligo per il figlio di un gentilhomme campagnard, a capo di imprese agricole e ortofrutticole tra Verona, Bologna e Ferrara, ed è noto che lei ha compiuto la gavetta nel mondo dei trasporti ma che è sempre stato irresistibilmente attratto dal mondo dell’arte.
Ricordo fin dall’infanzia quanto l’arte in generale abbia rappresentato un argomento di quotidiana conversazione. All’epoca l’interesse era concentrato, sia per le quadrerie, sia per gli arredi, sulla cosiddetta Alta Epoca. In questo senso, la vocazione al collezionismo è per me un fatto «congenito». Dunque, continuare a perseguirla e ad alimentarla è stato naturale.
Nel suo ambito professionale ha l’opportunità di avvicinare veri e propri capolavori, ma nella sua sfera privata quale ruolo riserva all’arte?
Ritengo che potersi circondare di beni d’arte, seguendo le proprie idee, ascoltando chi ne conosce origini e storia, volendo a poco a poco costruirsi un proprio mondo, sia per molti una meravigliosa missione che in fondo non finisce mai. Nella propria casa ciascun collezionista spera di realizzare qualcosa che possa rendere orgogliosi anche chi poi lo seguirà.
La sua vocazione al collezionismo si è orientata verso un periodo preciso, su artisti protagonisti di una corrente, o si è declinata in scelte di carattere eterogenee dettate da predilezioni legate a un momento?
Già da bambino ricordo come le opere dell’Otto e Novecento presenti nella nostra casa fossero quelle che incontravano in misura maggiore il mio apprezzamento. Le ho sempre percepite come le più vicine, le più rispondenti al mio gusto: dipinti che raffigurano brani di vita scanditi dall’alternarsi delle stagioni, lontani dalla frenesia, dai ritmi sincopati delle nostre giornate. Riuscire a catturare la luce naturale vissuta en plein air, restituire un’atmosfera intesa come specchio fedele di uno stato d’animo, è l’oggetto dell’espressione artistica dei Macchiaioli e dei cosiddetti Italiens de Paris: Boldini, De Nittis e Zandomeneghi. All’indomani della seconda guerra mondiale la vita era molto diversa da oggi, più semplice e attenta alle piccole cose e anche più costruttiva! La mia predilezione per la pittura del XIX secolo nasce dunque da ragioni affettive. Sono intimamente legato a quel periodo. Inoltre, un amico gallerista mi ha guidato e aiutato nelle scelte.
Condivide le sue scelte con i suoi familiari o preferisce decidere in autonomia?
Condividere un progetto con la propria famiglia al fine di valutarne la fattibilità, discuterne l’efficacia e decidere collegialmente se portarlo avanti o rinunciarvi è sempre stato per me un obbligo morale, nella vita professionale e a maggior ragione nell’intraprendere la costruzione di un percorso così affascinante quale è la nascita di una collezione. Ritengo fondamentale elaborare, affinare e plasmare le proprie scelte con chi ti è a fianco, anche perché in fondo l’ambizione di ogni collezionista è la continuità.
Per immergersi nel mondo di Pascoli
Facciata e giardino della Casa Museo Pascoli
di Elisabetta Matteucci da Il Giornale dell'Arte, 14 ottobre 2024
Su un colle di Castelvecchio si erge una residenza signorile di epoca settecentesca dove hanno visto la luce i Primi Poemetti, i Canti di Castelvecchio e i Poemi Conviviali.
Lasciata alla comunità di Barga per via testamentaria da Giovanni Pascoli (San Mauro di Romagna, 31 dicembre 1855-Bologna, 6 aprile 1912) e dalla sorella Maria (Mariù) insieme all’Archivio e alla Biblioteca, la Casa Museo Pascoli, residenza signorile di epoca settecentesca, è situata su un colle di Castelvecchio, frazione di Barga, ridente cittadina della Media Valle del Serchio.
Siamo nel cuore dell’amena campagna lucchese, circondata dall’abbraccio dei dolci rilievi della catena delle Alpi Apuane. Sviluppata su tre piani e meno conosciuta rispetto a quella natale di San Mauro, la casa si affaccia su un vasto giardino delimitato da un muro di cinta che giunge fino alla chiesa di San Niccolò. Concepito all’italiana, con aiuole geometriche e piantumazioni di alberi ornamentali, è corredato da una zona destinata a orto, dal vigneto, dal frutteto e dalla limonaia. Nell’area antistante la casa si trovano un pozzo e, sotto una colonna in pietra, la tomba dell’amato meticcio donato al poeta dal padre del pittore Antony De Witt, Gulì. Risale alla scorsa estate la conclusione di importanti lavori di restauro, realizzati con un investimento di 870mila euro quasi interamente finanziato dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Lucca.
Pascoli si trasferì in questa villa di campagna nell’ottobre del 1895 prendendola in affitto dalla famiglia Cardosi-Carrara, salvo poi acquistarla nel 1902. Qui hanno visto la luce raccolte poetiche come i Primi Poemetti, i Canti di Castelvecchio e i Poemi Conviviali. La casa accoglie arredi, oggetti d’uso domestico, effetti personali, documenti, attestazioni accademiche, manoscritti con dedica, fotografie, volumi, le illustrazioni realizzate da Plinio Nomellini per «La Riviera Ligure», «Il Giornalino della Domenica» e i Poemi del Risorgimento, un dipinto di Adolfo Tommasi nonché un’opera grafica di Luigi Gioli.
Grazie alle cure della sorella che dal 1912, anno della scomparsa del fratello a Bologna, continuò ad abitarla per quarant’anni senza apportarvi alcuna modifica, la struttura, gli arredi e la disposizione degli spazi sono rimasti intatti fino ai nostri giorni. Maria ha agito con la determinazione di preservare e custodire tale compendio alla stregua di una reliquia secolarizzata, rifiutando di installare luce elettrica e acqua corrente. Estranea ai circuiti abituali e meno conosciuta anche dagli estimatori più attenti dell’opera del poeta, tale corredo privato rappresenta un autentico autoritratto in virtù del quale è possibile ripristinare una relazione più intima con l’opera pascoliana.
Al primo piano, oltre all’ingresso, vi sono la cucina e la sala da pranzo, lo studiolo di Maria, oggi sede dell’Archivio che conserva circa 76mila carte; al secondo lo studio del poeta, dove è disposta la Biblioteca, con le tre scrivanie ciascuna delle quali utilizzate per la poesia latina, italiana e per gli scritti danteschi. Seguono le camere di Giovanni e Mariù e un’altra arredata con il mobilio proveniente dalla stanza in cui Pascoli morì a Bologna. Dal salotto della sorella si accede a una suggestiva altana ad archi che offre una vista panoramica sulla valle barghigiana, arredata con due campane dedicate rispettivamente a Ruggero e Caterina Vincenzi Alloccatelli, genitori del poeta. Le salme dei due fratelli riposano nella cappella attigua alla casa in un’arca in marmo decorata da bassorilievi di Leonardo Bistolfi. Nel 1998, su iniziativa di soggetti pubblici e privati, si è costituita la Fondazione Giovanni Pascoli che ha come fine la tutela e la valorizzazione del patrimonio culturale lasciato dal poeta per diffonderne sempre più la conoscenza e mantenerne viva la produzione (Casa Museo Giovanni Pascoli e Biblioteca e Archivio di Casa Pascoli).
A Palazzo Foresti Alberto Marri illustra il XIX secolo
La facciata di Palazzo Foresti a Carpi
di Elisabetta Matteucci, da Il Giornale dell'Arte, 16 settembre 2024
Dopo varie vicissitudini, l’imponente edificio è tornato a essere un contenitore di collezioni. L’attuale proprietario ha ricostituito la pinacoteca che ora spazia dagli emiliani ai Macchiaioli, ai veneziani e ai napoletani.
Dal Pnrr 2,4 milioni per la Villa Museo di Puccini
Veduta della facciata e del giardino della Villa Museo Puccini
di Elisabetta Matteucci, da Il Giornale dell'Arte, 4 settembre 2024
Ubicato di fronte al cosiddetto Belvedere Puccini, l’edificio è stato oggetto di un’importante riqualificazione ambientale portata a termine lo scorso luglio.
La Villa Museo Puccini di Torre del Lago, nata nel 1925 nell’abitazione del Maestro per volontà dell’unico figlio, Antonio, rappresenta nel nostro panorama istituzionale uno dei rari esempi di casa museo. Una suggestiva Wunderkammer ricca di spunti artistici e letterari, riflesso di modi di vita, della storia del costume e dell’arredamento, come il Vittoriale di D’Annunzio, il Museo Mario Praz e, all’estero, la casa dell’architetto John Soane o quella di Gustave Moreau.
Dopo l’ultimazione di importanti lavori di restauro avviati da più di dieci anni con il sostegno della Fondazione Cassa di Risparmio di Lucca, relativi ai due pianoforti Forster e Steinway & Sons, al tetto, alla facciata, al ripristino dei vialetti del giardino, al parquet della veranda e agli ambienti del piano superiore come la camera dei coniugi con tessuti, arredi e decorazioni pittoriche originali, recentemente, gli interventi conservativi coordinati dalla direttrice della Fondazione Simonetta Puccini Patrizia Mavilla e dal presidente Giovanni Godi, si sono concentrati al piano terra sul pavimento a mosaico del salone, sulle persiane e sugli uffici direzionali.
Ubicata di fronte al cosiddetto Belvedere Puccini, 9mila metri quadrati affacciati sul Lago di Massaciuccoli, oggetto di un’importante riqualificazione ambientale portata a termine lo scorso luglio grazie a un investimento di 2,4 milioni di fondi Pnrr, la Villa Museo Puccini, come da statuto della Fondazione nata nel 2005 per volontà della nipote Simonetta Puccini, persegue la missione di mantenere viva e onorare la memoria del musicista.
Dopo l’arrivo a Torre del Lago nell’estate del 1891 e la scoperta del carattere edenico della Versilia, di quella dimensione idilliaca generata dalla perfetta combinazione tra una natura incontaminata e la sapiente opera dell’uomo, Puccini vi trascorre ripetutamente le vacanze estive. Sono gli anni in cui insieme a Raffaello Gambogi, Ferruccio Pagni, Plinio Nomellini, Francesco Fanelli, Ludovico e Angiolo Tommasi, elegge a luogo di ritrovo una semplice capanna da cui si originerà l’esclusivo Club della Bohème, epicentro di quel versiliese Quartier Latin, meta di molti artisti gravitanti in Versilia come Amedeo Lori e Galileo Chini. Risale al 1891 la volontà da parte del Maestro di prendere in affitto l’abitazione del guardiacaccia Venanzio Barsuglia. Grazie alla sua ristrutturazione, la dimora di Torre del Lago assumerà l’aspetto attuale di una villetta liberty a due piani dotata di un bow-window, alla cui decorazione ad affresco del salone a piano terra lavoreranno tra il 1899 e il 1900 gli amici Nomellini, Pagni e Luigi De Servi. Questo mausoleo, dove riposano le spoglie del cantore di Mimì e Turandot e dove si conserva il suo patrimonio culturale e artistico, già all’indomani della sua scomparsa è divenuto uno straordinario luogo d’affezione per tutte quelle migliaia di visitatori, melomani incalliti o semplici curiosi che ogni anno intraprendono lunghi viaggi per celebrare con immutata devozione il rito di un ininterrotto pellegrinaggio laico.
«Non ricordo di aver mai visto così tanti cantieri aperti tutti assieme, afferma la direttrice Patrizia Mavilla, è un’operazione complessa, ma ne vale assolutamente la pena». Tutti gli sforzi sono protesi all’imminente celebrazione, il prossimo novembre, del centenario della scomparsa di Puccini e, nell’aprile 2026, dell’anniversario della prima di Turandot alla Scala. «Stiamo lavorando con intensità e passione per presentare un programma scientifico e culturale di grande rilevanza, che possa servire a conferire ancor più risalto alla figura del Maestro e, di riflesso, all’intero territorio. Per riuscirci, è necessario che enti e fondazioni operino in stretta collaborazione, facendo rete».
Pinacoteca di Tortona: un museo strategico
Una sala dell’esposizione permanente «Il Divisionismo» presso la Pinacoteca Fondazione Cassa di Risparmio di Tortona
di Elisabetta Matteucci da Il Giornale dell'Arte, 26 agosto 2024
Il progetto collezionistico in esposizione permanente della Fondazione Cassa di Risparmio piemontese spazia dalla Scapigliatura alla Grande guerra.
Nel 1999, dall’acquisto da parte della Fondazione di un nucleo di opere raccolte dalla Cassa di Risparmio di Tortona, tra le quali spiccavano alcune tele di Giuseppe Pellizza da Volpedo e di Angelo Barabino, nacque l’idea di dare vita a un ambizioso progetto collezionistico incentrato sul territorio lombardo-piemontese nel periodo compreso tra la Scapigliatura e l’inizio della Prima guerra mondiale. Proprio in questa zona, tra Milano e Torino, nel 1891 aveva avuto luogo il vivace e coraggioso dibattito sulla tecnica del colore diviso. Con un metodo scientifico mutuato dalla teoria dei colori di un chimico francese, accostando i colori puri sulla tela, Vittore Grubicy, Giovanni Segantini, Gaetano Previati, Angelo Morbelli, Pellizza, Carlo Fornara, Emilio Longoni, Matteo Olivero e altri sarebbero giunti a un nuovo paradigma accogliendo istanze socio-politiche e influssi simbolisti.
Dal 2001, anno dell’apertura al pubblico della Pinacoteca Fondazione Cassa di Risparmio di Tortona, poi ampliata nel 2008, è allestita un’esposizione permanente. Grazie alla riorganizzazione degli spazi di rappresentanza del museo e all’adeguamento funzionale di alcune sale adibite a finalità espositive, la Pinacoteca ha ricevuto un grande impulso. Anche numerose iniziative tese a coniugare attività didattica e promozione ne hanno consentito il posizionamento al centro del dibattito culturale cittadino, favorendo l’instaurarsi di proficui rapporti con istituzioni museali come i Musei Pellizza a Volpedo o il Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia Leonardo da Vinci di Milano. Fondamentale è stata l’esposizione permanente «Il Divisionismo» inaugurata nel maggio 2012 e documentata dal catalogo edito per l’occasione. Del resto, vi è stato un continuo incremento delle opere pervenute negli ultimi dieci anni, frutto di una mirata politica di acquisizioni che lo ha reso uno strumento indispensabile per gli studiosi.
La visita vale il viaggio. Sin dalla prima sala, il visitatore è immerso nel racconto visivo e filologico di uno dei momenti fondamentali della pittura italiana tra Ottocento e Novecento: attraverso un percorso animato da più di cento opere di oltre quaranta artisti, allestite su una superficie di oltre cinquecento metri quadrati che stabiliscono un gioco di rimandi, assonanze e confronti tra la sperimentazione cromatica della Scapigliatura, le declinazioni sociali della tecnica divisa, sino ai nuovi linguaggi simbolisti e futuristi.
Si sono aggiunti nel corso degli anni «Piazza Caricamento», «Sulla costa ligure» e «Mattino d’aprile» di Plinio Nomellini, «Credenti» di Morbelli, «Malvoni» di Segantini, «Ultimi pascoli» di Fornara, «Studio dal vero» di Longoni, «Penombre» di Previati e «Crepuscolo» di Leonardo Bistolfi. Altrettanta attenzione è stata riservata anche a pittori meno noti. Tra le ultime entrate, «Il cammino dei lavoratori» di Pellizza e «Il reddito del pastore» di Giovanni Segantini.
I macchiaioli di Banca Intesa nella casa di Ivan Bruschi
Facciata del Palazzo del Capitano del Popolo ad Arezzo, sede della Fondazione Ivan Bruschi
di Elisabetta Matteucci da Il Giornale dell'Arte, 19 luglio 2024
Il Palazzo del Capitano del Popolo non solo raccoglie la vasta collezione (8mila manufatti) dell’antiquario, ma è diventato un luogo d’incontri nel segno dell’antiquariato. Il conservatore Carlo Sisi ci illustra le attività della casa museo
Alla guida fino al 2006 della Galleria d’arte moderna di Palazzo Pitti a Firenze, della quale ha curato l’edizione del catalogo generale, Carlo Sisi ha diretto dello stesso complesso museale, dal 1999 al 2002, la Galleria del Costume. Specializzatosi nello studio della cultura figurativa dell’Ottocento e del Novecento, dal 2018 Sisi è presidente dell’Accademia di Belle Arti di Firenze. Attualmente ricopre il ruolo di conservatore della Fondazione Ivan Bruschi, istituita per via testamentaria dallo stesso antiquario toscano (1920-96). Ancora in vita, l’appassionato collezionista decise di rendere pubblica la propria dimora e la raccolta ivi conservata, facendone una casa museo, nominando la fondazione omonima erede dei propri beni e affidandone l’amministrazione alla Banca cittadina.
La finalità della fondazione è quella di essere un punto di riferimento in un settore di rilievo culturale ed economico per la città di Arezzo qual è l’antiquariato. La raccolta, conservata in uno storico palazzo cittadino, è un’operosa realtà culturale che ospita mostre temporanee e collaborazioni con realtà museali nazionali, oltre a ospitare percorsi e laboratori didattici, conferenze e concerti.
Dottor Sisi, può raccontarci a grandi linee questa straordinaria vicenda collezionistica di fine Novecento che indusse Ivan Bruschi, amico di Roberto Longhi, fondatore nel 2 giugno 1968 della più antica fiera antiquaria italiana, a ristrutturare il trecentesco Palazzo del Capitano del Popolo, nel cuore di Arezzo, per allestirvi il proprio eccezionale nucleo composto di oltre ottomila manufatti?
Bisogna risalire alla metà degli anni Cinquanta per intercettare l’avvio del progetto di Ivan Bruschi che prevedeva il restauro dell’antico Palazzo del Capitano del Popolo, già di proprietà della famiglia, per farlo diventare luogo di incontri nel segno della «cultura» dell’antiquariato. Un’idea che maturò non soltanto occasioni musicali, letterarie e di molteplici dibattiti cittadini, ma che regalò ad Arezzo un notevole patrimonio artistico frutto della costante ricerca mercantile di Bruschi che, alla fine della sua vita, seppe agire in maniera tale da assicurare alla sua città il percorso museale che oggi possiamo ammirare grazie al sistematico lavoro di inventariazione, e di conseguente conservazione, prodotto originariamente dalla Scuola Normale di Pisa e perfezionato nel tempo dall’attuale direzione.
Quali strategie avete adottato per una maggiore apertura del museo, per renderlo più presente e dialogante con i circuiti culturali cittadini e promotore di nuove collaborazioni?
Grazie al sostegno degli Istituti bancari che si sono avvicendati nel governo della Fondazione, la Casa Museo ha conquistato un alto profilo nell’ambito delle realtà museali in Toscana arricchendo innanzi tutto la conoscenza scientifica della propria collezione, formata da una ricca varietà di opere e manufatti, e aprendosi di conseguenza alla città e al territorio con una nutrita gamma di offerte culturali e didattiche che hanno creato efficaci sinergie con tutte le istituzioni regionali. Entro l’anno verrà pubblicato il catalogo che in una forma editoriale agile ma scientificamente approfondita, grazie al concorso di numerosi specialisti, illustrerà per la prima volta il singolare panorama della nostra raccolta che spazia dai dipinti alle sculture, dai reperti archeologici alle arti applicate, dalle epigrafi alle monete, dai tessuti alle arti extraeuropee.
Com’è nata la sinergia con Intesa San Paolo? Quali vantaggi ha portato alla Fondazione?
È recente l’inclusione della Casa Museo nella galassia di Intesa San Paolo, ma già dai primi passi il lavoro svolto nel disegnare il profilo museale e scientifico della nostra istituzione si è trovato in piena sintonia con la missione della nuova governance che ha riconosciuto la qualità dei risultati. Tra l’altro, ha consentito di far acquisire al Museo un importante comodato di opere d’arte toscane provenienti dalle stesse collezioni di Intesa. L’iniziativa ha arricchito il percorso con dipinti di Pontormo, Allori, Lega, Signorini e Fattori, con un significativo incremento di interesse del pubblico cittadino che frequenta il Museo anche in occasione dei concerti che compongono una stagione molto frequentata.
Tra gli eventi recenti vi è la mostra «La libera maniera» il cui titolo allusivo richiamava la rivoluzione stilistica dell’arte cinquecentesca che ebbe come protagonista Giorgio Vasari. In che modo Arezzo e il museo si sono organizzati per celebrarne l’anniversario dei 450 anni dalla morte?
La mostra intitolata «La libera maniera», dedicata all’arte degli anni Sessanta del Novecento, è un ulteriore risultato della sinergia avviata con Intesa San Paolo la quale anticipa una collana di eventi capaci di attrarre il pubblico nella suggestiva alternanza di memorie dell’antico e di proposte contemporanee. Non a caso il titolo richiama la rivoluzione artistica cinquecentesca che ebbe protagonista Giorgio Vasari, quest’anno celebrato nella sua Arezzo con un ciclo di importanti eventi. Anche con questa iniziativa, la Casa Museo si propone di assumere una centralità nella vita culturale cittadina senza tralasciare tuttavia l’obiettivo di allargare l’orizzonte della propria azione anche all’ambito nazionale.
Pandolfini: «Vendiamo l’Ottocento da 100 anni»
«Guidando al bois» (1874) di Giuseppe De Nittis, firmato e datato
di Elisabetta Matteucci, da Il Giornale dell'Arte, 25 giugno 2024
Pietro De Bernardi, nipote di Cirano Pandolfini, è subentrato nel 2000 in qualità di amministratore delegato alla guida della casa d’aste più antica d’Italia
Classe 1969, bocconiano, Pietro De Bernardi, nipote di Cirano Pandolfini, subentra nel 2000 in qualità di amministratore delegato alla guida della casa d’aste più antica d’Italia. Fondata nel 1924 dal cavalier Luigi Pandolfini, padre di Cirano, e con sede dalla metà degli anni Quaranta in Palazzo Ramirez Montalvo a Firenze, la Pandolfini Casa d’Aste ha incrementato la propria attività di vendita all’incanto di mobili, arredi e oggetti d’arte maturando una specializzazione sempre maggiore nell’arte del XIX secolo. Risale al 2019 il raggiungimento di un volume di affari tale da imporsi come la prima realtà in Italia soprattutto per il dipartimento della pittura del XIX e XX secolo.
Pietro De Bernardi, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma, quella Internazionale di Ca’ Pesaro e le Gallerie d’Arte Moderna di Milano, Torino e Firenze, unitamente agli istituti finanziari impegnati nella promozione di operazioni culturali rappresentano l’epicentro della musealizzazione della pittura e scultura italiana dell’Ottocento. In quale misura Pandolfini ha contribuito ad arricchirle?
A proposito dei programmi di acquisizione da parte degli istituti bancari e delle Gallerie nazionali, se è vero che le istituzioni rispondono a tempistiche non sempre conciliabili con i tempi scanditi dalle case d’asta, negli ultimi anni Pandolfini ha addirittura intensificato questo tipo di rapporti. Ciò è stato indubbiamente favorito dallo sviluppo delle trattative private, dinamica di vendita da noi particolarmente sviluppata nell’ultimo decennio, che offre alla clientela una modalità di trattativa più mirata e dai tempi meno serrati rispetto alle vendite all’incanto, stabilendo contatti diretti non solo con i collezionisti privati, ma anche con i responsabili delle acquisizioni degli Istituti e delle Gallerie interessati all’acquisto delle opere. Altro elemento che ci ha permesso di stabilire con le istituzioni un rapporto più stretto è quello della vendita all’asta di opere sottoposte a vincolo di notifica, cioè che non possono uscire dal territorio italiano. Questa iniziativa è stata premiata dall’interessamento di numerosi istituti e musei che, avendo a disposizione più tempo per poter confermare l’acquisto, possono di volta in volta seguire l’asta per le opere che interessano.
In ambito internazionale la storia dell’arte italiana è sempre stata associata alla cosiddetta Alta Epoca. Negli anni Trenta la situazione comincia a mutare grazie alle rassegne di Londra (1930), Parigi (1935) e Berlino (1937), tre tentativi pionieristici cui va riconosciuto il merito di aver contribuito ad ampliare la prospettiva tramite l’inclusione di sezioni dedicate alla cultura figurativa del XIX secolo. Dalla sua posizione privilegiata può indicarci quale profilo di rischio e quale rendimento presenta oggi l’acquisto di opere di tale periodo?
La pittura del XIX secolo ha rivestito un ruolo cardine nel mercato per tutto il secolo scorso, soprattutto nel dopoguerra, quando si sono formate alcune tra le più grandi collezioni di pittura italiana. In tale processo il ruolo delle case d’asta è stato decisivo tanto a livello italiano quanto internazionale. Come quelle dei maestri antichi, anche le opere dell’Ottocento sono sottoposte al vaglio della Soprintendenza, elemento certo da considerare in quanto a volte determinante per una valutazione corretta rispetto a opere degli stessi autori italiani che però si trovano all’estero. È fondamentale d’altro canto comprendere che la produzione di quello che è stato l’800 italiano coinvolge un breve periodo storico e una limitata produzione di opere. Ciò spiega la scarsità dei capolavori, in grande maggioranza già presso musei o difficilmente «rimessi in libertà» dai proprietari.
I progetti espositivi e le campagne di acquisizione perseguite dai musei, le strategie di offerta delle case d’asta e gli studi critici sono fattori essenziali per determinare i valori della produzione di un artista. Il sistema dell’arte è regolato da una logica complessa in cui il dato culturale non sempre trova corrispondenza nella quotazione di mercato. Come spiega la riconsiderazione economica che negli ultimi dieci anni ha riguardato la pittura dell’Ottocento? E quali pittori e scultori operanti in quel secolo si rivelano trainanti?
La pittura italiana dell’Ottocento non ha avuto una diffusione internazionale, come ad esempio quella francese, che ha beneficiato dell’azione di mercanti e collezionisti decisi a diffondere i propri artisti in tutto il mondo. Ad oggi gli artisti italiani con eco internazionale sono i pochi che hanno operato in città quali Londra e Parigi, mentre il nostro Ottocento ha avuto una grande risonanza e diffusione soprattutto in territorio italiano e fra collezionisti nazionali. In un mondo dove i ritmi vengono sempre più dettati dalla tecnologia e dai consumi, anche l’arte diviene necessità condizionata da eventi. Ma è altrettanto chiaro che l’arte antica, e in questo caso intendiamo anche quella del XIX secolo, non può avere la reperibilità e diffusione che invece offre l’arte contemporanea. Alla luce di ciò, la rarità di capolavori rende ancor più incisivi risultati come la recente aggiudicazione del bellissimo ritratto di Vittorio Maria Corcos, «Ritratto di Paolina Clelia Silvia Bondi», che seppure notificato è stato da noi aggiudicato lo scorso anno a una cifra record non solo per il mercato italiano. È possibile altresì individuare il profilarsi di un nuovo tipo di collezionista, generalmente professionisti e cultori delle opere dell’Ottocento e primo Novecento, intento a ricercare con gusto raffinato opere di artisti minori tanto in pittura quanto in scultura, con attenzione primaria alla qualità, piacevolezza e autenticità dell’opera. Sicuramente se la rarità, la freschezza del mercato e il soggetto rappresentano fattori chiave nella determinazione dei prezzi, in Italia ci sono tante possibilità di riscoprire lavori di buon livello. Infine è bene evidenziare il grande numero di importanti mostre dedicate all’Ottocento in questi ultimi due anni in Italia. Le diverse mostre dedicate a Giovanni Fattori e ai Macchiaioli, ai vedutisti napoletani alle Gallerie d’Italia e, più recentemente, la bella esposizione «Napoli Ottocento» alle Scuderie del Quirinale, la splendida mostra dedicata ai Preraffaelliti a Forlì, nonché un unicum quale il Museo dell’Ottocento Fondazione Di Persio-Pallotta a Pescara, stanno dando una grande visibilità alla pittura italiana dell’Ottocento, risvegliando anche un pubblico più giovane.
Nel mercato si registra un’evidente prevalenza di opere realizzate nella seconda metà del secolo rispetto a lavori di epoca neoclassica, purista o romantica. Qual è la ragione secondo il suo punto di vista?
Come dicevamo il gusto è cambiato e la produzione di primo Ottocento, quella più accademica, purista e neoclassica, interessa un pubblico più vicino alla pittura antica. I temi storici sono rivolti a una nicchia di collezionismo. La pittura romantica, per la piacevolezza dei temi e per l’esecuzione spesso più morbida e di facile comprensione, mantiene un interesse maggiore da parte del pubblico. I grandi e raffinati ritratti sono sempre ricercati. Ovviamente, la produzione pittorica della seconda metà dell’Ottocento stimola un collezionismo più legato al territorio.